NOTE DI REGIA

20 Sigarette

"Venti Sigarette" è il frutto di una lunga elaborazione dell?esperienza più atroce della mia vita, nel tentativo di trarne qualcosa di costruttivo. Una tale elaborazione comprende tutti gli aspetti dell' esistenza e mi spinge a raccontare, oltre all?attentato in sé, la persona che ero prima, la persona che sono ora, l?umanità che ho incontrato in questa avventura, i sentimenti. Sì, perché si tratta di un film di sentimenti, più che di guerra.

LA FAMIGLIA: la mia famiglia è un casino. Ex hippies che hanno finito per convogliare tutte le esperienze accumulate nei tanti viaggi in giro per il mondo, semplicemente in un amore per la bella vita. Da una famiglia così non può che nascere un figlio punk, ribelle, in polemica con la casa borghese e radical chic che lo ospita ancora a 28 anni. Generalmente, ho descritto le situazioni familiari come un?esplosione, con contrasti continui. I toni sono quelli della commedia, come a sottolineare che, spesso, i problemi che viviamo nel quotidiano ci sembrano enormi, fino a che non entriamo in contatto con problemi molto più seri. Questo emerge con forza quando, tornato a Roma, in ospedale, vedere i miei genitori ha significato la salvezza, il ritorno alla vita, provocando un?esplosione di pianto.

LA SOCIALITA?: il mondo che vivevo a 28 anni è una sorta di adolescenza prolungata. Gli ideali sono molti e condivisi nel gruppo degli amici. Come in adolescenza, le certezze sono persino troppe, nonostante il precariato economico, professionale ed affettivo. Ognuno fa qualcosa che “fa fico”; c?è chi canta, chi fa le installazioni e chi fa politica. Io riprendevo tutto con la telecamera e montavo piccoli documentari e videoclip. Queste situazioni sono descritte come l?opposto della famiglia; nulla è serio, neanche il pericolo della guerra. Ma nel gioco dei ruoli io ero quello che non poteva rifiutarsi di partire, ero il “matto”.

Una volta passato attraverso il frullatore della vita e della morte, il gruppo diventa uno degli elementi di contrasto con cui misurare il proprio cambiamento e rappresenta, simbolicamente, l?autocritica.

L?AMORE: amore è un parolone. Almeno finché non sono stato costretto a scoprire l?amore per la vita. Nel 2003 una delle caratteristiche del mio ruolo era di essere un farfallone. Una fidanzata brasiliana che sta in Brasile e sta bene lì, un?amica speciale con cui fare “all?amicizia” e una continua instabilità. Come se non fossi capace di fermarmi ad apprezzare quello che avevo, alla continua ricerca di qualcosa di nuovo. Il fatto che la mia amica speciale sia ora la mia compagna di vita è una vittoria dei sentimenti sulla ragione, sulla propria considerazione di sé, sulla considerazione che gli altri hanno di noi. Questo è uno dei contenuti profondi del film: l?umanità va ben oltre il ruolo che uno si è ricavato nella società.

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IL MONDO MILITARE: sono arrivato in Iraq con tutti i pregiudizi di chi è arrivato all?aeroporto militare direttamente dal centro sociale. A 18 anni mi sono finto gay per evitare la naja. Nel novembre del 2003 partecipavo all?organizzazione delle numerose manifestazioni per la pace che, in quel periodo, portavano in piazza milioni di persone. Oggi non rinnego nulla né del mio pacifismo né della mia avversità alle missioni militari all?estero ma, dopo aver visto morire dei ragazzi di vent?anni, dopo aver fatto amicizia con il Ten. Massimo Ficuciello, dopo essere stato salvato da un gruppo di civili iracheni, ho sentito fortemente sulla mia pelle che non basta dichiararsi contrario. Non è possibile schierarsi da una o dall?altra parte perché non è possibile auspicare la morte né degli uni né degli altri. Anche questa è una vittoria dell?umanità sul ruolo sociale. I militari che ho conosciuto io rappresentano un?umanità varia, fatta di fomentati guerrafondai come di persone curiose, aperte e oneste; di autoritari, di bugiardi, di simpatici e di anonimi. Credo di rendergli molto più onore descrivendoli così che semplicemente come eroi senza macchia e senza paura.

LA GUERRA: ho trascorso solo poche ore in Iraq, giusto il tempo di fumare un pacchetto di sigarette. Ma dell?attentato e dei minuti di terrore che ne sono seguiti ricordo ogni singolo fotogramma e ho scelto di non risparmiare nulla allo spettatore. Il tutto è girato in soggettiva, offrendo la possibilità di vivere quei minuti come li ho vissuti io: confusione, panico, ricerca di un nascondiglio, orrore per le ferite, per il sangue. E poi chiasso che sfonda i timpani, cadaveri, fiamme, colpi di mitra ed esplosioni. Il terrore che spezza il fiato, che si specchia negli occhi dei compagni di sventura, che ti spinge a scappare nonostante il piede a penzoloni e l?occhio dilaniato. La guerra in 20 sigarette è un concentrato di paura che dura pochi minuti ma non sembra finire mai. La guerra che ho vissuto io finisce con i civili che si accalcano, che strillano, che mi caricano su una macchina e buttano sul mio corpo insanguinato un bambino immobile, candido, freddo. La guerra finisce con la morte.

LA RABBIA: un?esperienza così non lascia solo l?umanità e l?amore. Lascia anche una buona dose di rabbia. L?ipocrisia di un paese in fibrillazione per gli eroi di Nassirya, il presenzialismo costante di politici, generali, preti e giornalisti. Il senso di colpa per essere sopravvissuto, il senso di responsabilità che si prova quando una storia che sembrava lontanissima arriva così vicina da ustionarti. Il mondo di cui ti sentivi parte ora inneggia a: “10, 100, 1000 Nassirya” e nessuno sembra capire che non c?è bisogno di imbracciare un fucile per uccidere delle persone a migliaia di chilometri da qui. Il misto di rabbia e tristezza che si prova quando non riesci a tenere in braccio la tua bambina senza rivedere nel suo volto quello di un bambino che ha avuto la sfortuna di essere nato e morto a Nassirya

Aureliano Amadei

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Diciotto anni dopo

Nessuna nota

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Due vite per caso

"Due Vite per Caso" nasce dai tempi in cui viviamo, fotografando una precarietà che, ormai e sempre più, investe ogni aspetto della nostra esistenza. Un film che nasce da domande e bisogni necessari, oltre che da un senso di malessere ormai diffuso.
Il protagonista è Matteo Carli, un ragazzo 24enne che vive con disagio una stagione di scelte cruciali: il mondo cerca di fargli credere che tutto per lui sia possibile, mentre il destino, o la società, o il caso appunto, finiscono per decidere inesorabilmente al posto suo. Matteo vive in una società che prepara i ragazzi alla vita adulta, senza dar poi loro la possibilità di essere messi alla prova; che guarda ai giovani con sufficienza, con sospetto. La gioventù viene considerata un difetto, se non una vera e propria colpa.
Matteo aspetta, alternandosi tra speranza e frustrazione, che qualcosa arrivi a rivoluzionare lo stato delle cose. Sembra che l'attesa (vana?) sia diventata ormai una quarta, nuova, frustrante dimensione temporale, affiancatasi alle classiche tre conosciute (passato, presente e futuro). E da qui nasce la rabbia di Matteo, un ragazzo che "è tutta la vita che aspetta, ma non è mai successo un cazzo", che nella vita prende una direzione o un'altra non perché realmente motivato, ma solo per dare una sterzata, forzare una scelta, "provare a vedere com'è".
Una "vita per caso", appunto, come quella di tanti suoi coetanei, che si trascina senza mete, obiettivi, sogni.
L'energia di Matteo, la sua voglia di fare, si trasformano in rancore, in frustrazione, che prendono vie di sfogo imprevedibili e, come succede molte volte a quell'età, sbagliate.
Nei nostri occhi sono ancora incise come cicatrici le immagini dell'omicidio del manifestante Carlo Giuliani, del tifoso di calcio Gabriele Sandri, o del poliziotto Filippo Raciti. Tutte uccisioni che hanno segnato drammaticamente la storia recente del nostro Paese, e ricondotte poi, nelle ricostruzioni a posteriori, a raptus di rabbia o di follia, a fatali istanti di black out della mente, a tragiche casualità.
"Due Vite per Caso" è proprio questo: un appuntamento già segnato col destino, un tunnel temporale da cui è impossibile uscire, come una clessidra che condanna inesorabilmente, un rapporto padre‐figlio fatto di affetto e poche parole, un'amicizia sincera, due (possibili) amori che muovono ma che non travolgono, non trascinano, non salvano. Matteo è la sua stessa generazione, allo sbando, senza punti di riferimento, senza modelli, senza padri, senza maestri, buoni o cattivi che siano. Nessuna luce a indicare il cammino. Si brancola nel buio e quando si trova la forza di premere un grilletto, ci si scopre ineluttabilmente di fronte al proprio riflesso.

Alessandro Aronadio

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La Scuola è finita

"La scuola è finita" è ambientato nell'Istituto Pestalozzi, in onore del grande pedagogo che mette al centro del processo educativo la crescita emotiva e morale dei ragazzi. È una scuola meno fotogenica dei licei forse, meno edificante sicuramente, e forse a qualcuno sembrerà surreale. Eppure il 70% dei ragazzi italiani frequenta proprio scuole come questa, non il liceo classico o scientifico.
L'idea iniziale per il film mi è venuta una sera al Big Mama al concerto di uno strano gruppo, i Riding Sixties, che suonano impeccabili cover di canzoni Rock anni '60 e '70. Ma non è il loro repertorio che li rende strani, quanto il fatto che la band è composta da due miei colleghi professori del "Rossellini" e dai loro studenti. Quella sera c'erano anche tanti miei allievi: allegri, entusiasti, così diversi dall'apatia che mostravano in classe. La bellezza condivisa di quelle vecchie canzoni, l'orgoglio e il panico dei ragazzi che si esibivano insieme ai loro professori… in quel momento mi è sembrato che quella gioia e quell'emozione che univa due generazioni fosse il segreto che ogni giorno cercavamo a scuola: cos'è che funziona, cos'è che può davvero aiutare un ragazzo, cos'è che può farlo crescere oltre il limite che il suo ambiente, la sua storia lasciano prevedere? Da quel giorno, ho sempre pensato a "La scuola è finita" come a un film musicale.
Nel lungo percorso che ci ha condotto al film, ho realizzato insieme ad altri colleghi un video-diario: dal primo appello il primo giorno di scuola, per tre anni abbiamo documentato la vita di una classe. Volevamo capire perché, tra bocciature e abbandoni, più di un terzo degli studenti si perde per strada e non arriva mai al diploma.
A poco a poco, attraverso l'obbiettivo di una palmare, ho visto ciò che come insegnante respingevo alla periferia della coscienza: la NOIA, una noia metafisica, totale. Nei primi piani degli studenti leggevo una distanza abissale dalla scuola, come se qualcuno non fosse neanche riuscito a spiegare loro perché dovevano stare lì dentro. Per intervistarli siamo anche entrati in molte case. All'inizio accusavamo uno strano disagio, c'era qualcosa che ai nostri occhi rendeva esotiche e nude le loro camerette… Ognuna aveva la sua playstation, la tv, qualche volta il pc. Quasi mai libri. Le madri a volte mi confidavano che per far studiare il figlio dovevano leggergli il libro di testo ad alta voce.
A quindici anni un ragazzo in media ha passato più tempo davanti alla tv che sui banchi di scuola. Come fa un povero professore a mettersi in sintonia con migliaia di ore di calcio, di pacchi miracolosi, di… anestesia? Possibile che un paese spenda miliardi per la scuola ma non riesca ad avere una televisione che per esempio sappia spiegare a una famiglia, prima che sia troppo tardi, che c'è un rapporto diretto tra numero dei libri in casa e successo scolastico di un ragazzo? Allora perché meravigliarsi se questi ragazzi sono spaventati, incapaci di orientarsi, pieni di rabbia o di cinismo verso quello che li aspetta là fuori?
L'ambientazione de "La scuola è finita" rappresenta in modo fedele istituti scolastici che abbiamo visitato e fotografato: nulla è inventato. Io stesso ho insegnato un paio d'anni in un'aula che assomiglia molto a quella del film: il mostro che incombe sulla lavagna, un buco nella porta. Ho avuto ragazzi che rientravano in classe dal "bagno" con espressioni strane, o improvvisamente andavano fuori di testa. Li ho spiati mentre spacciavano a ricreazione in qualche angolo di scuola poco frequentato: e so che il mio non è purtroppo un caso isolato. Non sono così ingenuo da pensare che la droga sia il vero problema, ma credo sia inaccettabile, come ormai invece succede, che si tolleri lo spaccio e il consumo di droga all'interno delle mura scolastiche. Il trattamento originale del film s'intitolava "Laria" ed è stato finalista al premio Solinas 2002 .

Musica
Durante la preparazione del film ho iniziato a collaborare con Francesco Sàrcina, leader de Le Vibrazioni che stava ultimando il nuovo album del gruppo, "Le strade del Tempo". Francesco è entrato in sintonia con la storia del film, con i personaggi di Alex e Talarico soprattutto: si ritrovava molto in questo rapporto con un professore che intuisce il talento musicale di un suo allievo, e nell'insofferenza di Alex verso la scuola… e poi ho scoperto che Francesco, come Alex, aveva frequentato l'istituto Pestalozzi!
Una canzone del nuovo album, "Va Così", mi sembrava adatta alla scena del concerto: Francesco ha fatto un grande lavoro di preparazione, ricreando per due scene del film dei momenti intermedi nella composizione del pezzo, assistendo poi Vincenzo Amato e Fulvio Forti nell'impostazione musicale.
A quel punto mi è sembrato naturale affidare la colonna sonora del film a Francesco. Volevo avere qualcosa di più presente e vitale rispetto alla musica di commento tipica dei film italiani, e ho chiesto a Francesco di creare un mondo sonoro che esprimesse l'energia sotterranea e la carica emotiva che i ragazzi hanno dentro di sé. Credo che il risultato sia andato oltre le mie aspettative, e che la musica riesca ad esprimere proprio il "viaggio" interiore di Alex che considero il cuore del film.
Oltre a "Va Così" de Le Vibrazioni, nella colonna sonora c'è anche un famoso pezzo dei Cream suonato da Eric Clapton, "White Room", insieme a composizioni originali di gruppi musicali di ragazzi che abbiamo scovato durante il lungo periodo di casting nelle scuole. Nella colonna sonora figurano infine alcuni pezzi originali di Paolo Buonvino, che mi ha anche aiutato nella non facile impresa di trovare un equilibrio e un'armonia tra tutti questi diversi contributi musicali.

Valerio Jalongo

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Amore Liquido

"Amore Liquido" è il titolo del saggio di uno dei più importanti sociologi viventi, Zygmunt Bauman, che ci è stato gentilmente concesso dall'editore Laterza. Pur non essendo il film direttamente tratto dal libro di Bauman, ci sembrava che il suo titolo, e i concetti in esso contenuti, rispecchiassero al meglio una situazione contemporanea di precarietà affettiva, dove i rapporti tra le persone divengono appunto "liquidi", incapaci di durare nel tempo, non tanto (o non solo) perché specchio di una precarietà lavorativa, ma anche (e soprattutto) per via di una mutazione antropologica in atto ormai da anni, che sta letteralmente sconvolgendo e ridefinendo il nostro modo di stare al mondo e di relazionarci con gli altri, anche nella sfera affettiva.
Il film vuole fotografare questa realtà, che trova nella diffusione e nella proliferazione della pornografia nella nostra cultura uno dei suoi aspetti più interessanti, punto di vista privilegiato per comprendere la rivoluzione in atto nell'ambito delle relazioni umane e della costituzione dell'immaginario sessuale ad esse strettamente collegato. Sarà una pellicola che, senza cedere alla semplice denuncia moralistica, cercherà di far riflettere il pubblico su questo mutamento in atto e sulle conseguenze che già oggi stiamo vivendo.
"Amore Liquido" verrà girato in quattro settimane e in momenti diversi. La prima parte delle riprese verrà effettuata a Bologna nella prima metà di Agosto, per sfruttare l'effetto "esodo" e "ghost city" altrimenti difficilmente ricreabile per una produzione low budget. Tra Settembre e Ottobre si gireranno, invece, gli interni del film.
Dopo aver girato l'ultimo lavoro in pellicola 16mm, con il direttore della fotografia Antonio Veracini abbiamo deciso di utilizzare per questo progetto la tecnologia digitale ad alta definizione, sia per una maggior agilità in fase di ripresa, sia per ottenere un effetto visivo più consono ad un progetto che si rifà esplicitamente, nello stile e nelle modalità produttive, al documentario.
Nel cast compariranno due attori giovani ma di grandissimo talento, Stefano Fregni e Sara Sartini, che si mescoleranno ad altri di più comprovata esperienza come Simonetta Solder e ad attori non professionisti.

Marco Luca Cattaneo

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Scontro di civiltà per un ascensore in piazza vittorio

Quando ho letto per la prima volta il romanzo "Scontro di Civiltà per un ascensore a piazza Vittorio", dello scrittore algerino Amara Lakhous, ho avvertito nettamente di aver trovato una matrice attorno alla quale costruire un racconto cinematografico. Un racconto che cercasse di indagare e di interpretare uno degli aspetti più laceranti e conflittuali della nostra epoca: il temuto, discusso, negato o invocato scontro di civiltà che, punteggiando d'incognite il nostro presente e il nostro futuro, infiamma il dibattito politico, sociale, culturale e religioso dei nostri giorni.
Questo tema è sviluppato nel romanzo di Lakhous attraverso la piccola folla multietnica che anima le vicende di uno stabile a piazza Vittorio, nel cuore del più multiculturale dei quartieri di Roma: l'Esquilino.
Le voci dei vari inquilini, italiani e stranieri, costruiscono un mosaico dei singoli drammi esistenziali e dei molteplici equivoci quotidiani della convivenza.

Nell'universo chiuso del condominio dove, nell'illusione della proprietà, si invocano diritti, si concepiscono malintesi e malanimi, si consumano dispetti tragici e ridicoli, i protagonisti svelano frammenti di vita intrecciati attorno all'ascensore, spazio comune costantemente motivo di liti condominiali. S'incontrano e si scontrano, ciascuno con i propri tic e pregiudizi, come in una commedia all'italiana, in cui il sorriso è provocato dalla riflessione. Emergono simmetriche paure e diffidenze, alimentate dall'ignoranza, dall'indifferenza, dall'isolamento auto-inflitto e subito, e raccontano come l'identità possa definirsi e darsi una ragione solo rispetto all'alterità.

Lo scontro di civiltà appare come la ricerca e l'affermazione di un'identità necessaria e ambita da ciascuno dei personaggi, nel caos dello sradicamento dalle proprie origini, sia esso il frutto drammatico della necessità, come per gli immigrati o del sentimento, spesso altrettanto drammatico di invasione, come per gli italiani. Ricerca che si aggrappa alle manifestazioni collettive più profonde come il linguaggio, la religione, o a quelle solo apparentemente più superficiali come la cucina o l'aspetto. Ricerca che non mette in opposizione soltanto italiani e stranieri, o etnie diverse, ma che riguarda gli stessi italiani, divisi a loro volta da differenze regionalistiche, di classe, di appartenenza.

In questa ricerca, ciascuno dei personaggi finisce, per contro, a esprimere con prepotenza la propria singolarità e su di essa si insiste per presentare un universo di posizioni dove il bene e il male, il positivo e il negativo non hanno appartenenza etnica, ma sono insiti nella dimensione individuale, nella storia particolare di ciascuno.
Tutti questi aspetti risultano prioritari nel romanzo, mentre la prospettiva giallistica è solo sullo sfondo e non appare determinante, anzi quasi pretestuosa, come afferma lo stesso Lakhous, che ha dichiarato di aver scelto la cornice del noir perchè questo è il genere narrativo che meglio si adatta alla nostra epoca, che è l'epoca dell'urgenza e della sovraesposizione dell'informazione, nella quale si riesce a ricevere un po' d'attenzione solo quando "ci scappa il morto". Nel tentativo individuale di capire chi ha ucciso il gladiatore, i personaggi raccontano se stessi. Ma questo intento, che è raggiunto nel libro attraverso testimonianze successive, che non sono altro che dei monologhi interiori, non è supportato da un vero e proprio intreccio.

Il film, quindi, si basa sulla volontà di galvanizzare la ricchezza dei personaggi e dei temi sviluppati nel romanzo attraverso un impianto narrativo che, pur discostandosi dalla trama originale, approfondisce le relazioni tra i caratteri ed esalta le potenzialità drammaturgiche e spettacolari dell'ambientazione. Il tono brioso e divertito del romanzo si mescola alla suspense della trama poliziesca, e alla drammaticità delle situazioni.

Isotta Toso

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Into Paradiso

"Into Paradiso" è la storia di un'amicizia nata da una convivenza forzata. Credo che l'esperienza dell'immigrazione si possa ricondurre, in ultima analisi, a questo: una condivisione obbligata di spazi tra gente che proviene da mondi diversi. Quelli che vivono quotidianamente i problemi dell'esperienza migratoria, sono ovviamente i migranti e quelli che abitano nei quartieri dove i migranti vanno a vivere. Ovvero, nella maggior parte dei casi, nei quartieri poveri delle città.
In questa storia, ho cercato di raccontare che cosa sarebbe potuto succedere se un italiano fosse stato costretto a vivere nel quartiere srilankese della sua città. Dunque, una prospettiva ribaltata, dove un cittadino italiano si ritrova ad essere anch'egli uno straniero, accolto dalla comunità srilankese perché non ha più un posto dove stare.
Entrambi i personaggi infatti vivono i disagi della società in cui vivono e si coalizzano per cercare di affrontarli.
I personaggi si ispirano a persone reali incontrate nel periodo di ricerca che ho svolto a Napoli e in Sri Lanka. Ogni situazione, ogni carattere è, se non reale, possibile in quel contesto. La storia è una storia di finzione, ma volevo che fosse il più possibile ancorata alla realtà sociale contemporanea sul territorio.

Paola Randi

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Io sono con te

"Io sono con te" è prima di tutto il racconto di una maternità: quella di Maria di Nazaret, dal concepimento fino all'adolescenza di suo figlio Gesù. Il ritratto di una madre e della relazione con il proprio figlio, sostenuta dalla presenza discreta e in fieri di Giuseppe, il patriarca "che si fa da parte", rinunciando al primato maschile. Una storia universale perché legata a passaggi fondamentali delle nostre vite e radicati dentro ciascuno di noi, venuti al mondo tutti con le medesime e inderogabili aspettative. Le domande sollevate nel film affrontano questioni come il nascere, il crescere, l'educare i figli, in una prospettiva squisitamente femminile. Per questo il film si rivolge senza esitazioni a credenti e non.
I fatti sono quelli narrati nei Vangeli canonici, in particolare in quello di Luca: il concepimento; la visita di Maria a Elisabetta e Zaccaria; la nascita; l'incontro con i Re Magi; la scomparsa di Gesù dodicenne. Al di là di alcune indicazioni storiche e di costume, gli unici elementi che si avvicinano alla tradizione apocrifa sono il nome della madre di Maria e la condizione di vedovo con figli di Giuseppe. Ma, in particolare per quanto riguarda la Natività e l'infanzia di Gesù, i testi apocrifi sono ammantati di un'aura magica e ambivalente, oggi diremmo a tratti surreale, che è quanto di più distante dall'Incarnazione, il Verbo che diventa persona, che si fa corpo, in tutta la sua naturalità: il cuore storico del Cristianesimo.
Gli altri avvenimenti narrati nel film, a partire dal contesto familiare e comunitario che fa da cornice alla vicenda, sono frutto della nostra invenzione narrativa e del lavoro di ricerca.
Il Cristianesimo è l'unica, tra le grandi religioni del mondo, a identificare in una donna il principio positivo della salvezza e di un nuovo corso nella storia dell'umanità. A vedere nella madre, dunque nella donna, il cardine dell'intera vicenda umana.
Ma cosa aveva concretamente di speciale questa ragazza da renderla genitrice di un Dio che si "fa uomo"? Perché Dio l'avrebbe scelta?
A nostro parere, la chiave sta tutta nella prerogativa della "grazia" che la distingue, ma conferendo a questo status una declinazione umana, sostanziata di amore e fiducia, di facoltà terrene eppure non per questo meno sorprendenti e decisive. Nel racconto del film, Maria, proposta spesso dalla tradizione come una sorta di simulacro inarrivabile, talvolta persino come una figura in ombra e addirittura passiva, assume caratteristiche precise, ritratta questa volta come un esempio positivo e imitabile.
Se, come ormai largamente documentato, nei primi momenti di vita in buona parte si decide la capacità di amare di un individuo; se la madre per un tempo significativo dovrebbe incarnare il bene incondizionato, in accordo con precise leggi di natura; se è attraverso i propri modelli genitoriali che un bambino acquista personalità e strumenti relazionali; l'uomo che un giorno indicherà nell'amore il precetto essenziale e inviterà a porgere l'altra guancia, lascia supporre l'esistenza di una madre fuori dal comune. In questa prospettiva, alla luce di quanto oggi la scienza va scoprendo sul parto, l'allattamento e gli effetti neuronali dell'amore primario materno o, al contrario, della violenza fisica e piscologica sui bambini, la Natività rappresenta un sorprendente modello antropologico.
La relazione tra Gesù e i suoi genitori si rivela così un paradigma pedagogico e antropologico che chiama in causa tutti.
Abbiamo girato il film nelle campagne della Tunisia (nella zona desertico-montagnosa di Matmata e in quella più verde e collinosa di El Kef) in cerca di un habitat, culturale e antropologico, il più vicino possibile alle condizioni di vita della Palestina di duemila anni fa. Per la stessa ragione, abbiamo scelto attori locali, spesso non professionisti, talvolta veri e propri non-attori, a partire dalla protagonista di buona parte del film, la giovane Maria. Persone semplici, pastori, contadini, bambini, che hanno animato il film recitando nella loro lingua madre, il dialetto delle campagne tunisine, lontano discendente da quel ceppo semitico da cui sono stati generati l'ebraico, l'aramaico e l'arabo.
Interpreti rispetto ai quali si è cercato di custodire e valorizzare tutta la loro spontaneità e veridicità, con una recitazione che attingesse al loro vissuto. Una risorsa fondamentale per il film che sarebbe andata persa con la scelta di una lingua a loro sconosciuta e quindi artificiale.
I personaggi che in qualche modo rappresentano l'ufficialità parlano invece il greco antico, la più diffusa lingua della cultura e della diplomazia del tempo.
La nostra ricerca sulle fonti per i costumi e la scenografia, nonché il recupero della tradizione pittorica, ci hanno condotto alla scelta deliberata di un mondo policromatico, distante da quello che la tradizione cinematografica ha proposto.
Questo scenario arcaico, patriarcale, cadenzato da riti e gerarchie socio-familiari millenarie, fa apparire ancora più sorprendente la parabola di Maria e del figlio Gesù, che da semplici e umili hanno palesato inganni e violenze, rivelando al mondo la sua via di salvezza.

Guido Chiesa e Nicoletta Micheli